dau

Dau al set (la apuesta a la séptima cara del dado) el grupo artístico que en 1948 decidió tender un puente con las vanguardias europeas desde la España aislada, sólo había salido de Barcelona en 1953 para una exposición en Madrid. Ahora, Ibercaja trae a Zaragoza una muestra itinerante con 40 obras de los entonces jóvenes pintores Joan Ponç, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats, que podrás visitar hasta el 13 de diciembre. También exhibe poemas visuales y un filme de Joan Brossa, así como los textos del filósofo Arnau Puig y Juan Eduardo Cirlot para la revista Dau al set, que puede contemplarse en todos sus números.

El lugar de encuentro de aquellos jóvenes cultos fue la Plaza Molina, nada sospechoso para la vigilancia policial porque era un sitio de pulular juvenil y de encuentro de novios. Una publicación efímera, la revista Algol (el nombre del Diablo para una estrella intermitente) en la que escribieron Brossa, Arnau Puig y Ponç, en 1946, les puso en relación con Tàpies y con Cuixart, el más culto de todos, influenciado por Dalí y por Klee. En 1948 llega Tharrats, editor e impresor.

Intercambiaban ideas e inquietudes, los pintores rivalizaban entre sí por ir cada vez más lejos en una línea que retomaba el surrealismo de los años 30, pero que encontraba en Miró y en Klee sus referentes de postguerra, sin dejar de lado la música tímbrica y atonal, de la mano de Cirlot, además del cine y sus aledaños.

Todos expresaban un mundo interior a través de escenas de carácter fantástico desarrolladas en una atmósfera mágica y surreal mediante líneas puras. Las trazaban de forma automática. Acabaron elaborando su revista, elaborada a mano, que se editó regularmente hasta 1951, año en que el grupo se disgregó.

La exposición de Ibercaja se abre a la obra de los pintores y a la historia y el contenido de la revista Dau al Set, en espacios contiguos pero bien diferenciados. Ponç fue el que salió primero con su surrealismo onírico de paisajes alucinantes que admitían leyendas imaginarias. Cuixart se inspiró más en Miró y en el expresionismo alemán para resolver sus imágenes llena de fantasía. Tàpies puso sus dotes de dibujante al servicio de imágenes evasivas en el seno de atmósferas oscuras y luces fosforescentes, que denotan silencio. Tharrats mostró sus esquemas radiantes. En todos ellos predomina lo misterioso, lo oscuro, lo intermitente.

Anuncios

usa_today

Nadie discute ya los nombres de Basquiat, Haring o Pettibon, los graffiteros neoyorkinos de los años 80 que ya tienen sus obras en los museos de arte contemporáneo de todo el mundo. Ese universo que abrió el Pop Art de Andy Warhol en los 60-70, basado en la cultura de consumo de masas no ha parado de crecer.

La exposición-instalación USA today, en el Centro de Historia de Zaragoza, explora el reciente trabajo de medio centenar de artistas visuales surgidos en la cultura independiente de la década de los 90, en torno a las escenas del skate, surf, graffiti, punk y hip hop.

La productora Contemporánea afincada en Granada ha seleccionado a 50 artistas de esta nueva generación que tiene ahora como epicentro a la ciudad californiana de San Francisco. Todos surgen de la calle, captan todos los lenguajes y se aposentan en el mundo del arte bajo dos estigmas: no tener estudios académicos y ser absorbidas sus creaciones por el mundo comercial a velocidades vertiginosas. El sistema los atrae para beneficiarse de su talento.

“Aparecer en revistas americanas que se distribuyen y son referencia en todo el mundo es la mejor lanzadera a la gloria”, señala Mario Martín Pareja, comisario de la muestra. Dior vende barras de labios de color negro, copiando al punk. Adidas lanza ediciones limitadas de zapatillas o Kalvin Klein de camisetas con los nuevos iconos lanzados por talentos callejeros.

Ryan Mc Guinnes era un patinador que fue adquirido por Sacci. La bicicleta de Barry Mc Gee sólo tiene 20 ejemplares en todo el mundo (uno de ellos, en esta exposición). Este artista callejero ya figura en los museos del mundo.

El arte ha adoptado nuevos soportes: se crea sobre tablas, zapatillas, mochilas, gorras o pegatinas; y los nuevos motivos van desde los apaches y la Luna como iconos americanos (Steven Harrington); la complejidad del entorno urbano y las personas en las que normalmente uno no recae (Evan Hecox). O el mismo presidente Obama, cuyo retrato, obra de Shephard Fairey (OBEY) a tres tintas, aparecido en la portada del Time, ya tiene la misma categoría universal que el del Che Guevara. Un ejemplar de la edición limitada ya vale 15.000 euros.

La exposición muestra en un vídeo al performer Mark Gonzáles recorriendo sobre un monopatín las salas de un museo en Alemania, o una escultura orgánica de Marc Ryden junto a sus pinturas fantásticas e inquietantes con personajes infantiles. Mike Mills ha borrado con una mancha roja el rostro Warholiano de Marilyn, y sobrepone esta frase: Los policías están entre nosotros.

La instalación (en la gruta de la planta sótano) se compone de más de 30 tablas de skate: una selección de medio centenar de productos de ropa, una recopilación de vídeoclips, cortos, spots publicitarios y vídeos de skate y surf, así como publicaciones, posters y fotografías.

Lugar:
Centro de Historia de Zaragoza (Plaza San Agustín 1, Zaragoza)

Horario:
Martes a sábado de 10 a 14 y de 17 a 21h. Domingos de 10 a 14h

Fecha:
Del 27 de Agosto al 1 de Noviembre de 2009 

museocamon-gil

Julián Gil acerca hasta el 2 de agosto P. A. C. (Proporciones Áureas en el Cuadrado) al Museo Camón Aznar, una exposición que ofrece la oportunidad de contemplar la obra de un pintor geométrico, centrado en un trabajo que representa la evolución más actual del constructivismo. A través de cuarenta y nueve obras, Julián Gil exhibe su calculada obra pictórica, compuesta por el análisis de las estructuras formales, que revisadas serialmente, se someten a diferentes variaciones de su estructura y sus coloridos.

La muestra está compuesta por dos series. En la primera, el artista propone diferentes estrategias constructivas y con cada una de ellas se realiza un conjunto de obras relacionadas entre si que recuerdan a una familia de obras. En la segunda serie, en la que cada cuadro está pintado con tan solo dos colores, Gil establece las diferencias proporcionales áureas en la estructura del cuadro que utiliza como punto de partida. La muestra pertenece al final de un periodo artístico del pintor que recientemente cumplió 70 años. Gil explicó que su obra “es arte concreto más que pintura geométrica”. “Es un arte que no parte del exterior, como la pintura figurativa, sino que parte del interior del artista”, comentó el pintor para añadir que su obra es “realismo real, es decir, el cuadro es la realidad”. Tanto el color como la estructura de sus cuadros se basan en “contenidos personales y vitales”, y recalcó que es cada artista quien “decide e integra elementos en la obra según su sensibilidad”.

Los cuadros de Julián Gil tienen un contenido clásico, meditativo y silencioso, donde logra el máximo clasicismo, rigor, talante introspectivo, pasión geométrica y coherencia creativa que hacen del artista una referencia contemporánea de una tradición cuyos precursores fueron Picasso y Juan Gris. 

cuarto_asalto

Tras un año de parón por los efectos Expo regresa el Festival de Arte Urbano conocido como Cuarto Asalto (ya sabes que cada año sube de orden), que en esta edición tiene la ribera del Ebro en el punto de mira para su intervención.

Aun siendo el eje central de la ciudad de Zaragoza, las riberas del río han sido en los últimos años lugares de paso, lugares olvidados, o simplemente observados con indiferencia desde los diferentes puentes que los cruzan. Actualmente, gracias a las infraestructuras creadas por la vorágine de la Exposición Internacional 2008, estos lugares, en ocasiones mágicos, han sido redescubiertos por vecinos y paseantes.

El río, las arboledas, plazas, o pequeños muros de contención son elementos constantes a lo largo de los más de 15 Km. de riveras útiles en los que os animamos a intervenir.

Mientras diferentes artistas ya están trabajando en crear un sinfín de criaturas y habitantes de las riberas, nosotros os invitamos a crear micro hábitats. Pequeños lugares que el paseante descubrirá con sorpresa y podrá estudiar hasta el milímetro. Este Cuarto Asalto supone pues, un reto. No hay medianiles, ni calles, ni grandes muros. 100% arte urbano, pero en la naturaleza.

A partir del 23 de junio el Cuarto Asalto renace de las cenizas, huye de la ciudad para crear su propio hábitat. Esta vez en las riveras del río Ebro.

Durante una semana completa se podrá ver en Zaragoza, entre el Puente de la Almozara y el Puente de Hierro a numerosos artistas realizando sus obras in-situ. Obras de las que podremos disfrutar hasta finales de julio.

Más Info: http://www.asaltoproduccion.es

robert-zandvliet

El Palacio de Sástago acoge esta exposición del 29 de mayo al 19 de julio. En ella se propone un recorrido por los últimos desarrollos de la pintura europea, con especial insistencia en su vertiente geométrica. El punto de partida son las últimas décadas de existencia de la Galerie Nacht St Stephan, de Viena, fundada en los años cincuenta, y que tras ser primero la principal plataforma del accionismo vienes, y atender luego propuestas de signo neo-expresionista, se ha especializado en las tendencias constructivas. El diálogo que la muestra propone, incluye ejemplos del minimalismo y post-minimalismo norteamericanos y de sus equivalentes en el Viejo Mundo, para centrarse en una serie de figuras clave en el actual panorama centroeuropeo, como son John Armleder, Herbert Brandl, Ernst Caramelle, Helmut Federle, Bernard Frieze, Katharina Crosse, Imi Knoebel, Olivier Mosset, Cerwald Rockenschaub, y Robert Zandvliet. Figuras varias de las cuales poseen en común, su trabajo a partir de la geometría.

sunyer

“Entre dos siglos. España 1900” presenta más de 50 obras de los artistas más significativos del panorama español de fin de siglo, de Sorolla a Zuloaga, destacando también, entre otros, a Romero de Torres, Gutiérrez Solana, Regoyos, Anglada-Camarasa, Mir, Casas, Rusiñol, Nonell, Sunyer, Arteta, y, por supuesto, Picasso. Una visión panorámica de las muchas tendencias y posibilidades plásticas que confluyen en un momento histórico crucial: el paso del siglo XIX al XX, así como su evolución natural hacia los lenguajes de la vanguardia, marcando las líneas para una visión menos fracturada del arte español moderno y contemporáneo.

Para esta muestra que realiza una revisión y puesta al día de los principales artistas y tendencias del arte español de este periodo, se ha contado con la colaboración de los más prestigiosos museos y colecciones españolas como el Museu Nacional d´Art de Catalunya, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Sorolla, la Fundación La Caixa, El Museo Thyssen-Bornemisza o la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, entre otros.

Para vertebrar la exposición se han seleccionado cincuenta obras relevantes de los artistas fundamentales, cubriendo un espacio temporal que amplía en unos años el estricto momento del cambio de siglo. En este contexto, entendido como encrucijada de tendencias culturales y movimientos artísticos, se incluyen artistas como Anglada Camarasa, Casas, Mir, Rusiñol, Nonell o el joven Picasso, en los que se superponen modernismo, simbolismo y postimpresionismo.

Pero, además, destacan autores como Torres García, que alude a un incipiente clasicismo noucentista, el joven Sunyer, que acusa el impacto de la pintura nabi en su estancia parisina. Asimismo, se podrán contemplar obras de Zuloaga y Solana, máximos representantes de la imagen pictórica de la España Negra, junto a su contrapartida, Sorolla, creador de la imagen plástica de una España Blanca, festiva y alegre, que se despliega a la luz del Mediterráneo y alcanza un enorme éxito internacional.

También, Julio Romero de Torres o Viladrich, que proponen una imagen entre castiza e inquietante de personajes que se mueven entre la literatura y la realidad o Darío de Regoyos, emblema de la conexión con el postimpresionismo internacional. Finalmente, destacan también Echevarría, Iturrino o Arteta, que representan la penetración de los lenguajes de vanguardia internacionales en la pintura vasca.

La exposición puede visitarse en el Paraninfo hasta el 28 de julio. Está organizada por la Fundación Mapfre y la Universidad de Zaragoza. 

kirkeby_paint

El CDAN abre al público el próximo 26 de junio la muestra del artista danés Per Kirkeby, quien, además, fue invitado para realizar la séptima intervención artística de la colección Arte y Naturaleza. Su obra Plan se inaugura en esta localidad pirenaica el sábado 27.

Per Kirkeby (Copenhague, 1938) es un artista de reconocido prestigio internacional, cuya obra se ha podido contemplar en los museos más importantes del mundo desde los años 80, como es el caso de la Tate Modern de Londres donde tiene una exposición actualmente.

Los motivos que aparecen tanto en su escultura como en su pintura siempre proceden de la naturaleza o de la cultura entendida como el resultado de la actividad humana. Todos ellos están tratados desde la consciencia del artista de que en realidad la naturaleza también es artificial al realizarse la visión de la misma a través del filtro del bagaje cultural del que la contempla.

Como pintor ha venido ocupando un lugar destacado en el arte europeo a partir de mediados de la década de los ochenta, cuando su pintura alcanzó la madurez y empezó a ser considerado uno de los más genuinos representantes de la aparición de una nueva pintura que tuvo lugar en aquellos años. La obra de Per Kirkeby no se puede encasillar en un único género, pues parece como si los dibujos a tiza trazados sobre las pizarras que se mostrarán en la exposición del CDAN, hubieran sido realizados por un artista diferente del que ha diseñado la escultura construida en Plan, en el valle de Chistau.

El interés por el modelado y por la escultura le viene a Per Kirkeby de su admiración por la obra de Auguste Rodin. Tal vez lo que le interesó del escultor francés es la manera como deja indefinidas las figuras, ese “non finito” que obliga al espectador a realizar el esfuerzo de completar en su imaginación las formas que sólo han sido insinuadas. Esta expresividad podrá contemplarse a través de las maquetas de la exposición, que permiten más una insinuación que una concreción de volúmenes. En el año 1973 decide realizar esculturas con un material poco habitual: el ladrillo. De esta manera, inicia en Ikast (Jutlandia) una serie de obras de arte público y apariencia arquitectónica que, animadas de una potente intencionalidad, ha diseminado por toda la geografía europea.