Durante el siglo XX la expresión artística abrió camino a través de nuevos medios, lenguajes, materiales, significados. La búsqueda de novedad, sin embargo, no aleja al arte de una de sus misiones originales: la reflexión acerca del sentido de la existencia humana y de los mundos de lo visible y lo invisible. Uno de los enigmas que ha inquietado al ser humano desde la antigüedad es su relación con la naturaleza. El arte contemporáneo, a través del Land art, se adentra en esta antigua preocupación humana.

En la década de los setenta del siglo XX hubo varios artistas, en especial norteamericanos y europeos, que comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural. A esta corriente artística contemporánea se le llamó Land art (arte-Tierra) porque sus creaciones usan el paisaje como soporte (o tal vez deberiamos hablar de escenario) o materia prima de la obra. El principio fundamental del Land art es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra. Muchas de estas obras tienen proporciones monumentales y la mayoría se realizan y ubican en sitios remotos, lejos de la mirada del espectador: en la ribera de un lago, en un escarpado paisaje rocoso, en una isla, en un campo abierto al pie de las montañas, en el bosque.

La mayoría del Land art es efímero, no sobrevive el paso del tiempo, pues desaparece debido a la erosión del terreno, la lluvia, las mareas o porque el propio artista desarma su obra una vez cumplido su propósito. Muy pocas personas pueden observar directamente el Land art y sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial; sólo llegan a ser conocidas por el público a través de registros fotográficos y fílmicos, mapas o dibujos que se exponen en museos y galerías, o se venden a coleccionistas privados. Esto provoca que el Land art permanezca dependiente del museo o galería para darse a conocer, a pesar de la decisión del artista de rechazar los espacios institucionales, cerrados o privados.

El Land art se inspira en la arquitectura antigua o los sitios sagrados del pasado más remoto, como son los monolitos o cuadrantes solares prehistóricos del tipo de Stonehenge, tumbas egipcias, montículos funerarios precolombinos, altares o marcas rituales a cielo abierto. Como en el arte primitivo, los diseños del Land art usan un mínimo de elementos expresivos y parten de trazos primarios: línea recta, zigzag, círculo, cuadrado, espiral, cruz. A través de la simplicidad, los artistas del Land art exponen reflexiones profundas, sobre la relación entre el ser humano y la Naturaleza, entre el mundo trascendente y el mundo natural. La mayoría de las obras del Land art transmiten un sentido místico o misterioso.

Algunos artístas y obras

Quizá el más reconocido de los artistas del Land art sea el inglés Richard Long, que trabaja tanto directamente en el medio natural como fuera de él. Para sus creaciones “interiores”, Long acarrea materiales naturales a los espacios cerrados de museos y galerías e instala allí su obra, generalmente consistente en un sencillo diseño colocado sobre el suelo. Por ejemplo, para Georgia South Carolina Wyoming Circle, usó piedras de colores provenientes de cuatro Estados distintos de Estados Unidos. A través de los distintos elementos que escoge -piedras, maderas, ramas, tierras, Long intenta evocar el espíritu de un determinado sitio geográfico.

Durante su proceso creativo, el artista registra fotográficamente las intervenciones que practica en el orden natural, donde va dejando rastros de su paso (hace marcas en la tierra, mueve de lugar piedras, algas, palos o lo que encuentre), con lo cual expresa ideas acerca del tiempo, del movimiento, del espacio y de la “huella” del ser humano sobre el planeta. Asimismo, dibuja mapas de las largas caminatas que realiza para llegar a cada lugar (que pone de actualidad la cultura paisajística inglesa del siglo XVIII mediante su afición a los paseos y excursiones en el campo en solitario) y diseña diagramas de su obra para que pueda trasladarse a otro lado si fuera necesario.

Otro artista reconocido del Land art es Andy Goldsworthy, quien interviene de manera muy sutil en los escenarios naturales. Cubre rocas con colores naturales o con materiales a la mano, y descubre imágenes artísticas a partir de los efectos lumínicos que se dan naturalmente en el paisaje. Con sus obras o las fotografías de ellas, Goldsworthy transmite la idea de que hay una comunión trascendente entre la naturaleza y el espectador que ha sido invitado a ver el fenómeno artístico en ella. Este tipo de obras atrae el interés de grupos ecologistas, que reconocen el respeto del artista por el orden natural y por la belleza que existe en la naturaleza. Las obras de Goldsworthy regresan eventualmente a ser parte del paisaje natural.

El artista de Land art con mayor fama mundial es el búlgaro-norteamericano Christo. Al lado de su esposa Jeanne-Claude, Christo realiza proyectos muy ambiciosos y espectaculares para los cuales tiene que movilizar a cientos de voluntarios, convencer a ecologistas, obtener millones de dólares de financiamiento y conseguir complicados permisos por parte de autoridades locales y nacionales, así como de los propietarios de las zonas que interviene. Además se asesora de expertos en flora y fauna para no afectar la naturaleza.

Christo actúa en escenarios urbanos y naturales (la foto corresponde a una de sus intrevenciones). Se le conoce especialmente por sus “envolturas” gigantes, tanto de edificios históricos (como el Reichstag en Alemania), escenarios naturales, como por las islas rodeadas de miles de metros de tela rosa, en la Bahia Biscayne, Florida. Las imágenes que logra Christo con sus intervenciones en el paisaje son muy agradables, las islas que rodeó de tela rosa parecían lirios de agua flotando en el mar, y su inmensa valla de tela de nylon que recorría varios kilómetros en California parecía una interpretación moderna de la muralla china. Christo cree que una buena parte del logro artístico de su obra es el gran esfuerzo comunitario que logra congregar, lo cual transmite la fe del artista en el ser humano, fe que transforma el paisaje.

Otro artista, Walter de Maria, creó una escultura permanente en un amplio campo abierto al lado de las montañas de Nuevo México. Su obra Lightning filed (Campo de rayos), construida entre 1971 y 1977, consiste en 400 postes de acero inoxidable dispuestos en un esquema rectangular, cuya función es atraer los rayos que se generan durante las tormentas eléctricas que abundan en la región. Lighting field involucra la tierra y el cielo pero no interviene en ninguno. Muy pocas personas han visto Lightning field en plena actividad, pero hay registros fotográficos que dan testimonio de los efectos de este trabajo que celebra el poder y el esplendor visual del fenómeno natural.

Otros nombres interesantes son el alemán Ulrich Rückriem, el británico David Nash, el iraní Siah Armajani, el portugués Alberto Carneiro o el español Fernando Casás, que junto a Richard Long tienen obras artísticas en la provincia de Huesca pertenecientes al interesante itinerario que el CDAN (Centro de Arte y Naturaleza) de la ciudad de Huesca despliega sobre la provincia en diferentes localizaciones.

Más Info sobre el CDAN: http://www.cdan.es

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Dos de los estandartes de la música negra como son Sun Ra y George Clinton, uno figura excitante del campo del jazz y el otro auténtico experimentador del groove en la música funk, aportan un toque marciano a sus sonidos que solo podían ser cultivados en el espacio exterior.

Herman Sonny Blount, más conocido como Sun Ra, que nació en Birmingham (Alabama) el 22 de mayo de 1914 y falleció el 30 de mayo de 1993, era un músico estadounidense de jazz de formación autodidacta que aprendió a escribir música a los diez años y se convertiría en una  figura destacada de la vanguardia jazzística (en sus vertientes experimental, de free jazz y de fusion) Tocó el órgano, el piano y el teclado, además de liderar Sun Ra Arkestra y fue igualmente un prolífico escritor de poesías, que aparecían en las portadas de los discos o en fanzines editados por él mismo.

Tras algunas experiencias musicales en su ciudad natal, se trasladó a Chicago, donde muy pronto suscitó el interés de los círculos jazzísticos de la ciudad. Fue “fichado” por la Big Band de Fletcher Henderson como arreglista y pianista, y tocó con gran cantidad de músicos de renombre en aquellos años.

Su carrera solista la inició a finales de los años 40 y principios de los 50 con la formación de pequeños grupos (tríos y cuartetos) con los que actuaba en los locales de entretenimiento de Calumet City, la ciudad de entretenimiento cercana a Chicago donde proliferaban los clubes y casinos.

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Muy pronto cambió su nombre por el de Sony’r Ra y, poco después, por el de Sun Ra, que llegaría a figurar en su pasaporte. Y también enseguida, con un núcleo de músicos fieles, formaría la legendaria Sun Ra Arkestra, en activo desde los años 50 hasta la actualidad, aún después del fallecimiento de su fundador.

La Arkestra estuvo siempre influida por la filosofía de Sun Ra, con raíces en la ciéncia ficción y los viajes espaciales, en el antiguo Egipto y en teorías filosóficas cabalísticas, siendo en realidad la única banda de jazz basada más en la filosofía que en la música propiamente dicha. Sus apariciones en el escenario constituían un espectáculo único debido a los vestuarios extravagantes, a la mezcla de las distintas ramas del jazz y a la incorporación de elementos audiovisuales, siendo pioneros en este campo.

Sun Ra fue el primer músico de jazz en utilizar todo tipo de instrumentos electrónicos aparte del piano acústico. El piano eléctrico aparece en discos de 1956, habiendo usado posteriormente instrumentos como el rocksichord, los primeros mini-moog, el clavioline, la celesta, los primeros sintetizadores polifónicos, etc. Sun Ra fue también el primer músico de jazz en crear su propio sello discográfico, Saturn Records, a fin de tener libertad para publicar la música que quisiera.

La Sun Ra Arkestra se formó a finales de los 50 en torno a Sun Ra, con el saxofonista tenor John Gilmore, el trombonista Julian Priester, el saxo barítono Pat Patrick y el saxo alto Marshall Allen, actualmente director de la banda. Durante los años en que la Arkestra tuvo su sede en Chicago su repertorio incluía estándares y composiciones propias en un estilo cercano al hard bop, pero donde ya se intuían elementos claves de su estilo, arreglos futuristas y la gran importancia concedida a la percusión.

A principios de los 60, la banda se traslada a Nueva York. Fieles a sus principios viven de forma comunal, dedicados por completo a ensayar y tocar en cualquier club donde se les admita. Sun Ra siempre trató de influir en las vidas privadas de sus músicos, apartándoles de las mujeres, las drogas y el alcohol como si se tratara de un grupo de discípulos alrededor de su gurú. En el aspecto musical, el traslado a Nueva York puso a la banda en el centro de la revolución del jazz de los primeros 60, el llamado free jazz, y en esta época se editaron –siempre en su sello Saturn- los discos más rompedores desde el punto de vista musical: improvisaciones colectivas de una banda de 12 o 14 músicos, solos de sintetizador y unos espectáculos donde había desde bailarinas a comefuegos.

A principios de los 70, la banda hace sus primeras giras por Europa y la primera de sus visitas a Egipto, donde se graban algunos de los discos más imprescindibles para sus seguidores. Es también en estos años donde el estilo de Sun Ra vuelve a sufrir un cambio, orientándose más a una música más eléctrica cercana al acid-jazz. Por esta misma época la banda traslada su residencia desde Nueva York a Filadelfia.

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A finales de los 70 y principios de los 80, Sun Ra, quien siempre afirmó haber venido del planeta Saturno en un pasado remoto y permanecer en este planeta para el cumplimiento de la misión de salvar a la humanidad mediante la música, decide un nuevo cambio de estrategia, y empiezan a ser más frecuentes en su repertorio las versiones de clásicos como Ellington, F. Henderson y otros. Versiones impregnadas de su especial sentido filosófico y musical que definen un estilo mucho menos vanguardista. Es la época dorada de la banda, que tras décadas de existencia con ensayos intensivos por parte de los mismos músicos constituye una unidad sin fisuras donde cada uno tiene su papel perfectamente asignado. Las giras por todo el continente europeo se suceden sin interrupción (sobre todo por Europa) y por primera vez aparecen grabaciones de la banda en discográficas que pueden ofrecer mejor distribución que los Saturn, vendidos fundamentalmente tras los conciertos y que por tanto son inaccesibles a la mayor parte de los aficionados.

Durante los 80, Sun Ra perseveró en este estilo más accesible, llegando a ofrecer conciertos íntegramente con versiones de clásicos de Disney, y publicando gran cantidad de discos. En 1991 sufrió una embolia que le paralizó medio cuerpo, pero siguió con su ajetreada vida de músico en constante gira, tocando el piano o los teclados electrónicos con la mano derecha. En 1993 sufrió una segunda embolia, y falleció el 29 de mayo tras unas semanas de agonía.

 

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George Clinton nació en Kannapolis (Carolina del Norte) en 1941. A los quince años, mientras trabajaba en la barbería de la familia, formó un grupo doo wop llamado The Parliaments, con Calvin Simon, Grady Thomas y, más adelante, el ronquísimo Ray Davis y Clarence “Fuzzy” Haskins. En 1967 publicaron con el sello independiente Revilot la canción “(I Wanna) Testify”, que ocupó los primeros puestos de las listas de ventas de la revista estadounidense Billboard. También escribía canciones para otros artistas; entre ellos, la cantante Diana Ross y el grupo The Jackson Five.

Tras un enfrentamiento con el sello Revilot, perdió los derechos del nombre Parliaments y en 1968 formó un grupo nuevo llamado Funkadelic con su antigua banda. Con ella estableció una innovadora mezcla de lo viejo y lo nuevo, fusionando los ritmos sincopados de James Brown, el rock ácido del guitarrista estadounidense Jimi Hendrix y la mezcla de sonidos del grupo Sly and The Family Stone. Funkadelic combinaba sofisticados ritmos funk con arreglos electrónicos y de rock psicodelico, letras escandalosas y lujosas puestas en escena, que incluían a sus integrantes vestidos de todo tipo de disfraces. De hecho, los trabajos de Clinton, que más tarde se denominaron P-Funk (de Parliament y Funkadelic), se convirtieron en una filosofía y en un estado mental muy relacionados con la música de baile.

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Posteriormente formó una nueva banda llamada Parliament con los mismos componentes de Funkadelic, con quienes grabó varios álbumes de funk más accesible que fueron muy bien recibidos, como “Up For The Downstroke” (1974), “Chocolate City” (1975) o “Mothership Connection” (1976), a la vez que seguía produciendo música instrumental más salvaje con Funkadelic.

 

Después de producir el último trabajo de Funkadelic “Who’s a Funkadelic?” George se dedica a grabar el que sería su primer trabajo como solista el que saldría en 1982 llamado “Computer Games”. De este disco destacaron los singles “Loopzilla” y “Atomic Dog”.

Hacia 1989, mientras la fama de Clinton decaía, el denominado P-Funk se convirtió en una fuente de samples para artistas de hip-hop, como De La Soul, Digital Underground o Public Enemy. También ha influido mucho en el mundo del hip hop, creándose un sub-género que combina el Hip Hop con el sonido P-Funk llamado G-Funk (Gangsta Funk), cuyo creador fue Dr. Dre.

En la década de los 90 sacó a la venta varios discos, algunos de ellos acompañado por componentes de los grupos de P-Funk y otros con su nombre, como “Paint the White House Black” (1993).

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Si el artista italiano Luigi Russolo, perteneciente a la vanguardia futurista, colocó la primera piedra en la historia de la música electrónica al empezar a construir sus Intonarumori (que imitaban sonidos urbanos como el acelerar de un automóvil o los pasos de los obreros que salían de una fabrica) a partir de 1910, Pierre Schaeffer subirá otro peldaño al crear lo que conoceremos como música concreta, sin duda la mayor revolución sonora acontecida en Occidente  desde el dodecafonismo y el desarrollo de la atonalidad promulgado por el músico vienes Arnold Schönberg o los propios aparatos de Russolo.

Nacido en la ciudad francesa de Nancy en 1910, Pierre Schaeffer era hijo de un violinista y una cantante. Ese entorno musical le llevará pronto a ingresar en el conservatorio de su ciudad para estudiar chelo. Pronto renunciará a esta formación como instrumentista para matricularse en electricidad y telecomunicaciones. Con sus estudios terminados, entrará a trabajar en la radio pública de París en 1936, lo que marcará el punto de partida de su andanza en el mundo de la electroacústica.

Obsesivamente atraído por las posibilidades del estudio de grabación y los elementos que lo integran iniciará una obra teórica centrada en la escucha y no tanto en el sonido.

Será en 1948 cuando Pierre Schaeffer inicio su estudio y catalogación de los sonidos alterados mediante la manipulación del disco y el fonógrafo, lo que precipitará el nacimiento de la música concreta. Con “Études de Bruits”, cinco trabajos donde Schaeffer conjuga distintas velocidades de reproducción, construye loops y crea distorsiones, delays, reverberaciones y otros efectos con la ayuda del medio reproductor comentado.

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Pierre Schaeffer con la música concreta descubrirá el potencial creativo del estudio de grabación convirtiéndolo en un elemento determinante en el proceso compositivo y creativo. Nacerá así un género que no se pode entender sin la presencia de los dispositivos electrónicos, aunque no por naturaleza sistemática. Si los Intonarumori de Russolo eran unos emuladores sonoros de la realidad (industrial), los músicos concretos tomarán los sonidos directamente de la realidad gracias al desarrollo de la microfonía y las técnicas de grabación. Utilizando la cinta magnética como soporte y al mismo tiempo obra, el director graba sonidos concretos, es decir, sin marcar una directriz tonal o tímbrica trabaja con objetos sonoros ya existentes que graba, manipula y yuxtapone. El resultado es una obra que no puede ser interpretada, la música concreta solo se puede escuchar inalterable e infinitas veces sin que tenga la más mínima variación ya que la subjetividad de la interpretación humana queda erradicada pues solo depende de la eficacia y calidad del equipo reproductor.

Junto a otro Pierre, de apellido Henry, Schaeffer formará un binomio interesante que cosechará algunas de las piezas paradigmáticas de la música concreta titulados “Symphonie Pour Un Homme Seul” (1595) y “Orpheé” (1953). Más tarde formarán un trío musical con Jacques Poullin, que entrará a trabajar en el primer estudio de música electroacústica de la historia (y que estaba financiado por la RTF). En 1955 contaban con un grabador de cintas de tres pistas, una máquina con diez cabezales lectores capaz de generar loops con eco (conocido con el nombre de morfófono), un lector de cinta con veinticuatro velocidades de reproducción y otros artefactos creados por Schaeffer y Henry que utilizarán posteriormente Boulez, Stockhausen, Varèse, Messiaen o Hoenegger.

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Yo no soy muy amigo de las comparaciones temporales y los “mejorismos” pero os comunico que la revista inglesa ‘Time’ acaba de elaborar una lista con los 10 mejores guitarristas de la historia y el ganador no ha sido ninguna sorpresa, Jimi Hendrix. El guitarrista zurdo ya fue elegido el mejor en otra macroencuesta elaborada por la revista norteamericana ‘Rolling Stone’ en 2003. Las dos listas tienen otros puntos en común, B.B. King es para las dos el tercer mejor guitarrista, Eric Clapton era el cuarto en la lista de Rolling Stone y aparece quinto en la de ‘Time’, Keith Richards es la cuarta elección para los ingleses y la décima para la ‘Rolling Stone’, el líder de Led Zeppelín, Jimmy Page, ocupa el sexto puesto en la encuesta de 2009 y el noveno en la de 2003, por último, la otra coincidencia entre ambas listas es la presencia de Chuck Berry en el séptimo puesto para ‘Time’ y en el sexto para los americanos de ‘Rolling Stone’.

Comparto de manera personal que Jimi Hendrix es el verdadero maestro de la guitarra eléctrica porque sencillamente cuando la tocaba era como si se la follara. Hendrix apareció en 1966 como una supernova en un mundo que ya tenía sus dioses, Clapton lo era del blues-rock, Townsend el del acople y la energía y Jeff Beck el de la naciente psicodelia. Cuando hizo su irrupción el de Seattle, todos estos guitarristas quedaron asombrados y eclipsados por Hendrix. En 1967 los profesores pasaron a aprender del alumno. Además Jimi no era sólo un gran guitarrista por sus innovaciones y sus solos, si han escuchado “Little Wing”, “The Wind cries Mary” o “Castles made of sand” sabrán que nadie ha sabido hacer semejantes introducciones con la guitarra. A día de hoy más de 1.000 guitarristas podrían tocar más rápido e incluso copiar su estilo pero ninguno, ni ahora ni nunca, sonará como él.

A modo de crítica hay que decir que la lista se centra en la guitarra eléctrica ignorando, por ejemplo, el mundo flamenco. 

Dj Spooky y el Illbient

agosto 15, 2009

Paul D. Miller (verdadero nombre de Dj Spooky) dijo en cierta ocasión: “Dame dos discos y te construiré un universo”. Con esta reveladora frase se acercaba hacia el concepto del dj como arquitecto del espacio sonoro. Entre sus influencias y referencias Paul D. Miller cita a John Cage, Jimi Hendrix, Karlheinz Stockhausen, Sun Ra, Eric Satie, Williams S. Borroughs, Alain Resnais o los artistas italianos de la vanguardia futurista de primera mitad del siglo XX.

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Dj Spooky es la principal figura de la escena Illbient de Nueva York (fenómeno musical de mediados de los noventa donde se conjuga beats de Hip Hop extremadamente ralentizados, líneas de bajo Dub y fondos Ambient cercanos al Aislacionismo, todo ello en contacto con los ecos y los ruidos de la ciudad) y fue definido en la revista The Wire como un hombre del Renacimiento para este milenio. Dj Spooky es un filósofo en toda regla, además de un fenómeno en la exploración del espacio y genial escultor del sonido.

Paul D. Miller nació en Washington en 1970. Sus primeros escarceos con la música se ubicarían en torno al punk y la música go-go. A finales de los años ochenta, mientras estudiaba Literatura francesa y Filosofía en el Ivy League Collage, realizaría un programa de radio en la emisora universitaria. Bajo el nombre de “Dr Seuss Eclectic Jungla” emitiría un espacio musical tremendamente ecléctico. Tras iniciarse en sus labores como dj en el Club Retalation, se trasladará New York donde entrará en contacto con la escena ambient que se empezaba a originar por aquellas fechas en Brooklyn. Paul D. Miller enfocaría y canalizaría todo esto hasta dar con el illbient, a la vez que escribía en prestigiosas revistas como Artforum o Village Voice. Será por entonces cuando se le empezará a conocer como Dj Spooky That Subliminal Kid.

Con una sublime combinación de dub, ambient, tri hop, drum’n’bass y ruidos y sonidos urbanos sus sesiones se empezaron a popularizar en espacios como Chiaroscuro, Júpiter o Abstrakt, el club que él mismos abrirá. Hasta la actualidad sus actuaciones se caracterizan por su tremenda ubicuidad, ya que pueden escucharse con la misma prestación en una rave, un chill out o en una galería de arte.

En cuanto a las creaciones musicales de Dj Spooky, las podemos definir con los adjetivos renqueante, espectral, atmosférica y urbana a las que incorpora influencias de la tradición africana, el gamelan balinés o el vudú haitiano. Mediante la utilización de transmisores de radio y pequeños micrófonos en bares y cafés se dedica a grabar conversaciones y sonidos de la calle que incorpora más tarde a sus obras como un elemento sonoro de primer orden.

Su álbum debut fue “Songs Of A Dead Dreamer” (1995), un más que interesante manifiesto del illbient. También debemos nombrar entre su virtuosa discografía “Modern Mantra” (2002) y “Optometry” (2002) donde colaboraron músicos del avant-jazz como Matthew Shipp, William Parker, Guillermo E. Brown y Joe McPhee. Y como interesante teórico puedes encontrar su ensayo “La Ciencia del Ritmo” publicado en la editorial Alpha Decay (2007).