Exposición sobre la Historia del Videojuego en Zaragoza
Diciembre 7, 2009
El Centro de Historia de Zaragoza acoge, del 3 de diciembre al 21 de febrero, una exposición pionera sobre la evolución del videojuego, en la que se pueden encontrar desde consolas de los años 80 a las últimas tendencias e incluso productos que aún no se han comercializado.
“La vida es juego”, título de la muestra, es una exposición única en España, según explicó uno de sus comisarios Luis García, en una rueda de prensa. El objetivo de la muestra es atraer a personas de distintas generaciones, como pueden ser padres e hijos, ya que los primeros vieron nacer las consolas, pero en muchos casos se han desvinculado de su evolución, mientras que los niños conocen las últimas novedades, pero no saben de donde provienen.
García ha afirmado que esta industria está en alza y que sus cifras superan a las del cine y a las de la música, ya que los ha “fagocitado”.
En 2007 España fue el sexto país que más videojuegos consumió, generando un movimiento de 700 millones de euros frente a los 600 de la industria cinematográfica.
También ha destacado la importancia del proceso del lanzamiento de este tipo de productos para su éxito comercial, así como la mercadotecnia o las ediciones de lujo que genera.
Wii, monopatines, PSP…
En la muestra se pueden encontrar desde la Magnavox Odyssey de 1972, la Sega Master System de 1985, así como la Super Nintendo, la Sega Megadrive o la Sony Playstation de la década de los 90, la Wii e incluso un monopatín que no se comercializará en España hasta finales de marzo.
También el videojuego “Indiana Jones and the fate of Atlantis” que se compraba en discos de tres pulgadas y media, juegos para la Game Boy, como el tradicional tetris o el “Super Mario Bros”, son otras de las reliquias que se pueden ver en la muestra.
Juegos de conducción, sagas deportivas, estrategia en tiempo real, juegos musicales y ejercicios para mejorar la coordinación son algunas de las temáticas que abarca este tipo de ocio interactivo.
La exposición también cuenta con una zona de juegos, en la que los aficionados puede introducirse en el mundo virtual adoptando el papel de un empresario del mundo de la comida rápida hasta meterse en la piel de un terrorista.
Dau Al Set en el Centro de Exposiciones de IberCaja
Octubre 11, 2009
Dau al set (la apuesta a la séptima cara del dado) el grupo artístico que en 1948 decidió tender un puente con las vanguardias europeas desde la España aislada, sólo había salido de Barcelona en 1953 para una exposición en Madrid. Ahora, Ibercaja trae a Zaragoza una muestra itinerante con 40 obras de los entonces jóvenes pintores Joan Ponç, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats, que podrás visitar hasta el 13 de diciembre. También exhibe poemas visuales y un filme de Joan Brossa, así como los textos del filósofo Arnau Puig y Juan Eduardo Cirlot para la revista Dau al set, que puede contemplarse en todos sus números.
El lugar de encuentro de aquellos jóvenes cultos fue la Plaza Molina, nada sospechoso para la vigilancia policial porque era un sitio de pulular juvenil y de encuentro de novios. Una publicación efímera, la revista Algol (el nombre del Diablo para una estrella intermitente) en la que escribieron Brossa, Arnau Puig y Ponç, en 1946, les puso en relación con Tàpies y con Cuixart, el más culto de todos, influenciado por Dalí y por Klee. En 1948 llega Tharrats, editor e impresor.
Intercambiaban ideas e inquietudes, los pintores rivalizaban entre sí por ir cada vez más lejos en una línea que retomaba el surrealismo de los años 30, pero que encontraba en Miró y en Klee sus referentes de postguerra, sin dejar de lado la música tímbrica y atonal, de la mano de Cirlot, además del cine y sus aledaños.
Todos expresaban un mundo interior a través de escenas de carácter fantástico desarrolladas en una atmósfera mágica y surreal mediante líneas puras. Las trazaban de forma automática. Acabaron elaborando su revista, elaborada a mano, que se editó regularmente hasta 1951, año en que el grupo se disgregó.
La exposición de Ibercaja se abre a la obra de los pintores y a la historia y el contenido de la revista Dau al Set, en espacios contiguos pero bien diferenciados. Ponç fue el que salió primero con su surrealismo onírico de paisajes alucinantes que admitían leyendas imaginarias. Cuixart se inspiró más en Miró y en el expresionismo alemán para resolver sus imágenes llena de fantasía. Tàpies puso sus dotes de dibujante al servicio de imágenes evasivas en el seno de atmósferas oscuras y luces fosforescentes, que denotan silencio. Tharrats mostró sus esquemas radiantes. En todos ellos predomina lo misterioso, lo oscuro, lo intermitente.
El Centro de Historia acoge una exposición dedicada al Origami
Septiembre 17, 2009
Desde este viernes y hasta el próximo 22 de noviembre, el Centro de Historia se interesa por destreza artística de la papiroflexia con la exposición “Origami. El arte del papel plegado”, y es que el termino origami proviene de Japón para designar al are de la papiroflexia. La muestra recoge más de 280 piezas creadas por más de 100 artistas de 18 países del mundo. Dividida en tres salas dedicadas a la unión de las tradiciones de oriente y occidente, la visión de la papiroflexia en el mundo y, otra, que recoge las tendencias más ultramodernas, la exposición comenzó a gestarse hace año y medio gracias al Grupo Zaragozano de Papiroflexia (GZP), la primera asociación del mundo dedicada a este delicado arte. En Zaragoza la papiroflexia es una actividad muy arraigada.
La papiroflexia está de moda. Año tras año aparecen modelos más bellos, más complejos, más graciosos o más útiles. Con motivo de su 65º aniversario, el Grupo Zaragozano ha reunido una exposición irrepetible de la obra de los mejores creadores del mundo. Una vista en perspectiva del pasado, el presente y el futuro del Origami.
Sala 1: Unión de dos Tradiciones: oriental y occidental. De la primera, destacan dos grandes: Akira Yoshizawa y Yoshihide Momotani. En cuanto a la segunda, qué mejor que una antología de figuras del Grupo Zaragozano histórico.
Sala 2: El Origami en el Mundo. A partir de los 70, la papiroflexia artística ha tenido un vigoroso desarrollo por todo el planeta. En esta sala contemplamos una muestra representativa de cómo se pliega en cuatro continentes.
Sala 3: Nuevas Tendencias.¿Qué nos deparará el futuro? En la tercera contemplamos algunas de las propuestas más innovadoras, como la del centro francés de investigación del plegado de papel, el C.R.I.M.P.
Septiebre en Desafinado Café
Septiembre 16, 2009
La Música Concreta de Pierre Schaeffer
Septiembre 15, 2009
Si el artista italiano Luigi Russolo, perteneciente a la vanguardia futurista, colocó la primera piedra en la historia de la música electrónica al empezar a construir sus Intonarumori (que imitaban sonidos urbanos como el acelerar de un automóvil o los pasos de los obreros que salían de una fabrica) a partir de 1910, Pierre Schaeffer subirá otro peldaño al crear lo que conoceremos como música concreta, sin duda la mayor revolución sonora acontecida en Occidente desde el dodecafonismo y el desarrollo de la atonalidad promulgado por el músico vienes Arnold Schönberg o los propios aparatos de Russolo.
Nacido en la ciudad francesa de Nancy en 1910, Pierre Schaeffer era hijo de un violinista y una cantante. Ese entorno musical le llevará pronto a ingresar en el conservatorio de su ciudad para estudiar chelo. Pronto renunciará a esta formación como instrumentista para matricularse en electricidad y telecomunicaciones. Con sus estudios terminados, entrará a trabajar en la radio pública de París en 1936, lo que marcará el punto de partida de su andanza en el mundo de la electroacústica.
Obsesivamente atraído por las posibilidades del estudio de grabación y los elementos que lo integran iniciará una obra teórica centrada en la escucha y no tanto en el sonido.
Será en 1948 cuando Pierre Schaeffer inicio su estudio y catalogación de los sonidos alterados mediante la manipulación del disco y el fonógrafo, lo que precipitará el nacimiento de la música concreta. Con “Études de Bruits”, cinco trabajos donde Schaeffer conjuga distintas velocidades de reproducción, construye loops y crea distorsiones, delays, reverberaciones y otros efectos con la ayuda del medio reproductor comentado.
Pierre Schaeffer con la música concreta descubrirá el potencial creativo del estudio de grabación convirtiéndolo en un elemento determinante en el proceso compositivo y creativo. Nacerá así un género que no se pode entender sin la presencia de los dispositivos electrónicos, aunque no por naturaleza sistemática. Si los Intonarumori de Russolo eran unos emuladores sonoros de la realidad (industrial), los músicos concretos tomarán los sonidos directamente de la realidad gracias al desarrollo de la microfonía y las técnicas de grabación. Utilizando la cinta magnética como soporte y al mismo tiempo obra, el director graba sonidos concretos, es decir, sin marcar una directriz tonal o tímbrica trabaja con objetos sonoros ya existentes que graba, manipula y yuxtapone. El resultado es una obra que no puede ser interpretada, la música concreta solo se puede escuchar inalterable e infinitas veces sin que tenga la más mínima variación ya que la subjetividad de la interpretación humana queda erradicada pues solo depende de la eficacia y calidad del equipo reproductor.
Junto a otro Pierre, de apellido Henry, Schaeffer formará un binomio interesante que cosechará algunas de las piezas paradigmáticas de la música concreta titulados “Symphonie Pour Un Homme Seul” (1595) y “Orpheé” (1953). Más tarde formarán un trío musical con Jacques Poullin, que entrará a trabajar en el primer estudio de música electroacústica de la historia (y que estaba financiado por la RTF). En 1955 contaban con un grabador de cintas de tres pistas, una máquina con diez cabezales lectores capaz de generar loops con eco (conocido con el nombre de morfófono), un lector de cinta con veinticuatro velocidades de reproducción y otros artefactos creados por Schaeffer y Henry que utilizarán posteriormente Boulez, Stockhausen, Varèse, Messiaen o Hoenegger.
El Palacio de Sástago expone la obra de Jorge Oteiza
Septiembre 9, 2009
El Palacio de Sástago invita a los zaragozanos a danzar alrededor de las esculturas y dibujos de Jorge Oteiza, para profundizar en su obra y conocer el trabajo del polifacético creador vasco. Las salas superiores del Palacio muestran hasta el 20 de septiembre la exposición ”Jorge Oteiza”.
La muestra, que reúne una treintena de dibujos y cerca de veinte esculturas, ha sido presentada por el director del Área de Cultura y Patrimonio de la Diputación Provincial de Zaragoza (DPZ), Alfredo Romero, el comisario de la exposición, Ricard Mas, y el director de la Galería Windsor Kulturgintza de Bilbao, Roberto Sáez de Gorbea.
Esta exposición reúne un muestrario “preciso” de la obra de este creador y ofrece “una gran selección del trabajo creativo” de Jorge Oteiza (Orio, 1908 – San Sebastián, 2003), un hombre polifacético “que murió hace seis años sin ver realizada su gran obra: la Fundación Oteiza”, apuntó Alfredo Romero.
Para Ricard Mas, se trata de una muestra “de gabinete, pequeña, para ser contemplada en la intimidad” y que invita “a danzar alrededor de los dibujos y esculturas para entenderlos”, para ahondar en las formas y vacíos de Oteiza, unas obras de una “pureza extrema” a las que el espectador debe “acercarse y sumergirse”.
Mas recordó a Oteiza como un “tipo polémico, a pesar de la tranquilidad e indiferencia que se desprende de sus obras”, también como un hombre “generoso, con una humanidad sin parangón”, un autodidacta e “investigador de la nada”, en cuyo trabajo quedó implícita “toda la cultura vasca”, agregó Roberto Sáez. Como ejemplo, su escultura del frontón vasco, una pieza “que encandiló al mundo del arte” y que puede observarse en el Palacio de Sástago.
Roberto Sáez remarcó que en esta exposición se reúnen piezas de una colección privada, con un gran número de obra sobre papel, que es “quizá lo menos conocido de Oteiza”, y también una gran cantidad de esculturas “didácticas”, que suponen un “valor añadido” para la muestra, ya que permitirán al espectador “entender mejor su trabajo”.
De esta forma, la exposición repasa todas las épocas del creador vasco, desde sus inicios en los años 30 y 40, hasta sus últimos trabajos, con una serie de obras “que hablan por sí mismas”, valoró Sáez.
‘Jorge Oteiza’ se expone en las salas superiores del Palacio de Sástago, de la Diputación de Zaragoza, hasta el 20 de septiembre, de martes a sábados, en horario de 11.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 horas, y los festivos, de 11.00 a 14.00 horas. Además, en las salas inferiores se puede disfrutar con las obras pictóricas del artista aragonés Vicente Pascual, en la muestra ‘Opusculum, 1989-2008′.
USA Today, la exposición del Centro de Historia que nos aproxima al arte Norteamericano del siglo XXI
Septiembre 7, 2009
Nadie discute ya los nombres de Basquiat, Haring o Pettibon, los graffiteros neoyorkinos de los años 80 que ya tienen sus obras en los museos de arte contemporáneo de todo el mundo. Ese universo que abrió el Pop Art de Andy Warhol en los 60-70, basado en la cultura de consumo de masas no ha parado de crecer.
La exposición-instalación USA today, en el Centro de Historia de Zaragoza, explora el reciente trabajo de medio centenar de artistas visuales surgidos en la cultura independiente de la década de los 90, en torno a las escenas del skate, surf, graffiti, punk y hip hop.
La productora Contemporánea afincada en Granada ha seleccionado a 50 artistas de esta nueva generación que tiene ahora como epicentro a la ciudad californiana de San Francisco. Todos surgen de la calle, captan todos los lenguajes y se aposentan en el mundo del arte bajo dos estigmas: no tener estudios académicos y ser absorbidas sus creaciones por el mundo comercial a velocidades vertiginosas. El sistema los atrae para beneficiarse de su talento.
“Aparecer en revistas americanas que se distribuyen y son referencia en todo el mundo es la mejor lanzadera a la gloria”, señala Mario Martín Pareja, comisario de la muestra. Dior vende barras de labios de color negro, copiando al punk. Adidas lanza ediciones limitadas de zapatillas o Kalvin Klein de camisetas con los nuevos iconos lanzados por talentos callejeros.
Ryan Mc Guinnes era un patinador que fue adquirido por Sacci. La bicicleta de Barry Mc Gee sólo tiene 20 ejemplares en todo el mundo (uno de ellos, en esta exposición). Este artista callejero ya figura en los museos del mundo.
El arte ha adoptado nuevos soportes: se crea sobre tablas, zapatillas, mochilas, gorras o pegatinas; y los nuevos motivos van desde los apaches y la Luna como iconos americanos (Steven Harrington); la complejidad del entorno urbano y las personas en las que normalmente uno no recae (Evan Hecox). O el mismo presidente Obama, cuyo retrato, obra de Shephard Fairey (OBEY) a tres tintas, aparecido en la portada del Time, ya tiene la misma categoría universal que el del Che Guevara. Un ejemplar de la edición limitada ya vale 15.000 euros.
La exposición muestra en un vídeo al performer Mark Gonzáles recorriendo sobre un monopatín las salas de un museo en Alemania, o una escultura orgánica de Marc Ryden junto a sus pinturas fantásticas e inquietantes con personajes infantiles. Mike Mills ha borrado con una mancha roja el rostro Warholiano de Marilyn, y sobrepone esta frase: Los policías están entre nosotros.
La instalación (en la gruta de la planta sótano) se compone de más de 30 tablas de skate: una selección de medio centenar de productos de ropa, una recopilación de vídeoclips, cortos, spots publicitarios y vídeos de skate y surf, así como publicaciones, posters y fotografías.
Lugar:
Centro de Historia de Zaragoza (Plaza San Agustín 1, Zaragoza)
Horario:
Martes a sábado de 10 a 14 y de 17 a 21h. Domingos de 10 a 14h
Fecha:
Del 27 de Agosto al 1 de Noviembre de 2009
Vídeo de la fiesta urbarrítmica con Hovatron
Agosto 20, 2009
Ya han pasado unos meses (20 de marzo) desde entonces… pero el artista visual Héctor de la Puente (que como bien sabrás también fue el video jockey para la ocasión) se ha currado un video resumen de aquella noche ofrecida por Urbarritmo en el Mar de Dios. En el podemos ver brevemente a Funkfow y Chelis a los platos y un pequeño recordatorio a modo de sonido e imágenes de lo que supuso el live del canadiense Hovatron (todo un crack), cargadito de crunk, booty, electro y hip hop de alto voltaje!!!
